美巫鸿的小说作品

《时空中的美术》是巫鸿教授继《礼仪中的美术》后推出的第二部学术论文集，由三联书店特别定制出版。全书以中国美术中的“时空”观念为核心，通过建筑、明器、拓片、画屏、卷轴、册页、摄影等多元艺术形式，系统探讨了时空在视觉艺术中的表现与阐释。全书分为三编：上编“时空的形象”聚焦物质载体对时空的具象化呈现，如墓葬建筑中的宇宙观与时间隐喻；中编“观念的再现”剖析哲学、宗教思想在图像中的时空投射，如道家“循环”观念与山水画的时空叙事；下编“图像的释读”则通过跨学科视角，重新解读摄影、册页等媒介的时空流动性。巫鸿以“历史物质性”理论为根基，打破传统美术史研究的门类壁垒，将礼仪功能、社会语境与美学表达交织分析，揭示了中国艺术独特的时空思维——从汉代帛画的生死维度到宋代卷轴的观画节奏，从明清屏风的空间重构到摄影术引入后的时空解构。书中收录的15篇论文（1992-2007）不仅是对“礼仪美术”概念的深化，更以宽阔的全球视野，为理解中国艺术提供了一条超越线性史观的新路径。

巫鸿的这部新著希望突破传统“仕女画”、“美人画”概念的藩篱，为理解女性题材绘画打开新的视野。虽然他讨论的是以女性为主题的绘画，但其目的不是研究传统意义上的仕女、美人或任何自给自足的图像类型，而是再一次思考画像艺术(pictorialart)的核心因素——这些因素包括画面的构成、意义的生产、历史的对话，以及作品与观者间的互动。之所以把女性题材绘画作为探索这些问题的一个园地，既是由于这些作品令人惊异的丰富性和复杂性，也是因为这种丰富性和复杂性尚有待于发现和证明。

《聚焦摄影在中国》以摄影术在中国的百年演进为主线，通过巫鸿教授“深描”方法的学术视角，系统梳理了摄影作为媒介如何与中国社会、文化及艺术深度交织。全书从1839年达盖尔银版摄影术随殖民扩张传入中国开始，剖析西方旅行家镜头下的异域凝视，到民国时期摄影的本土化实践，再到“文革”后实验摄影的先锋探索，呈现了摄影在中国从技术工具到艺术表达的蜕变。书中选取刘铮的《国人》系列、荣荣的废墟自传式影像、缪晓春的数字摄影时空实验等十个标志性个案，深入探讨摄影如何记录社会变迁、承载个人记忆，并参与艺术本体的对话。巫鸿结合视觉分析与跨学科研究，揭示了摄影在中国的独特视觉传统——既受制于政治语境的裹挟，又突破媒介限制表达个体精神世界，最终成为重构中国艺术史的重要维度。作品以学术深度与可读性兼具的笔触，为读者打开一扇理解中国现代性与视觉文化碰撞的窗口。

《巫鸿美术史文集卷六比较场所》聚焦中国古代视觉艺术与全球艺术史的对话，通过具体案例与跨学科视角，揭开艺术背后的隐秘逻辑。全书以宝山辽墓壁画、战国中山王厝墓青铜器陈列为切入点，探讨墓葬艺术的空间象征与权力表达；通过“画屏的世界”章节，剖析画屏在墓葬壁画与文人绘画中的双重功能，揭示其作为“移动界面”连接生死、虚实世界的独特意义。文集更直面中国艺术融入全球叙事的挑战，提出“比较场所”理论，主张以跨文化语境重构艺术史框架。巫鸿以考古实证与理论思辨结合，从六朝艺术到辽代墓葬，从器物摆放到图像符号，层层解码视觉文化的深层结构，为学科发展提供方法论革新。书中收录《全球视野中的美术史研究》等前沿论文，兼具学术深度与可读性，是理解中国传统艺术与当代艺术史研究的重要指南。

一个个有名有姓、有血有肉的个人，被遗忘！鼎鼎大名，被追逐！怎么可能还有一群人？？？采取超越简单的批判和颂扬立场，勇敢暴露自身的纠结和尴尬，以常人难以料及的大胆直面当代生活的真实焦虑。他们实验不停，在在证成：边缘人，牛气得很！两卷《艺术家·上》《艺术家·下》深描这群人：蔡国强、陈丹青、谷文达、黄锐、刘虹、刘建华、刘小东、罗中立、缪晓春、莫毅、木心、沈少民、石冲、宋冬、王广义、王晋、王鲁炎、夏小万、徐冰、杨福东、尹秀珍、曾梵志、曾浩、展望、张大力、张洹……当代之重，我们不逃！

五代至南宋这近四百年时间，是《韩熙载夜宴图》《溪山行旅图》《千里江山图》《清明上河图》等传世名作涌现的时期，也是中国绘画史上一个特殊而关键的阶段。本书是著名美术史家巫鸿的全新力作，吸纳考古美术的新近研究成果，聚焦五代至南宋时期各种类型的绘画作品及其媒材特征，关注多元背景下的绘画实践与跨地域交流，力图勾勒更加全面、立体的中国绘画发展脉络，多维度讲述中国绘画的新故事。

“巫鸿美术史文集”是芝加哥大学巫鸿教授中国古代美术研究成果的全面集成，编年汇集了巫鸿几乎所有古代中国美术史的论文和未发表讲稿，串联四十年学术历程中散落的明珠，透视学者思维发展成熟的脉络。继2018年出版的《传统革新》与《超越大限》之后，《陈规再造》为文集的第三卷，收录作者1995年至1998年关于中国古代美术史的15篇论文和讲稿。这一阶段的研究仍聚焦于墓葬、佛教、肖像艺术等主题，持续探讨图像内容与空间、媒材的关系。其中《清帝的假面舞会》《屏风入画》《陈规再造》等一系列论文，围绕清宫旧藏文物和中国古代艺术审美传统展开，选择了雍正乾隆变装画像、十二美人图、屏风文化等精巧的切入点，兼具学术性与可读性，引人入胜的同时，进一步发展阐释了“图像”与“原境”互动的美术史观，是为后来《重屏》等专著的雏形与先声。

本书是巫鸿先生对76载个人历史的首部追忆。他突破一般回忆录式的写作，呈现给读者的既不是真实的往昔本身，也不是小说式的全然虚构，而是一种创造性的经验重构与想象，一种更为自由和开放的“记忆写作”。他以幻想的手法呈现绝处逢生后，遇见克孜尔石窟壁画飞天像的悸动和梦魇；又以冷静克制的笔调，从北朝“蝉冠菩萨”像被盗与寻回的前前后后中，臧否个人、国宝、文物、传统文化之间错综复杂又虔诚宁静的连结。他书写青少年时对古城北京的生活记忆，也袒露对书的偷窥，以及与保姆或私密、或让人沮丧、难堪的个人故事。湛蓝天空下，在青中带紫的密歇根湖畔，他再会动荡年代后重获学习时光的自己，感悟师友、忘年交们对学术超越政治、人格信守独立的追求。当下的经验冲撞往昔的记忆，“在那一刻，我们感到自己都是疯人院的幸存者，但许多人没有我们这样的好运气。”

《行动中的绘画：刘小东笔记1998—2014》是由北京民生现代美术馆、民生当代艺术研究中心统筹策划的“刘小东全方位”研究项目的出版成果，包含艺术史家巫鸿对刘小东艺术道路的全景综述，访谈“睁大眼睛看现实”，并首次系统整理刘小东1998—2014年间17本笔记本的全部文字内容，反映出艺术家观察世界和艺术创作方法的持续性变化，为研究提供了珍贵的一手材料与历史原境。全书包含图版150余幅，其中作品近60幅。

《重屏：中国绘画中的媒材与再现》首次尝试把中国绘画既视为物质产品也看作图画再现来研究。这种新的研究方式打破了图像、实物和原境之间的界限，把美术史与物质文化研究联系起来。屏风可以是一件实物，一种艺术媒材，一个绘画母题，也可以是三者兼而有之，作者对此进行了详尽的综合分析。屏风入画，画入屏风。集合了准建筑形式、绘画媒材和绘画图像的多样角色与模糊身份，屏风赋予画家绝妙的灵感，也给希望提供崭新视角、探寻复杂路径的美术史家带来契机与挑战。《重屏：中国绘画中的媒材与再现》的研究将围绕屏风展开，打破图像、实物和原境之间的界限，涵盖多种艺术和文化类型，从肖像与图画叙事到窥视与伪装，探索屏风在中国艺术中的独特地位，进而关注一个颇为宏大的问题——什么是传统中国绘画？答案在层叠纵深的空间之内，在亦真亦幻的画屏之上，在绵联展现的手卷之中。

《关键在于实验》是著名美术史家、艺评家及策展人巫鸿教授历时五年精心编纂的学术文集，全面梳理了中国当代艺术自20世纪70年代至今的发展脉络。全书以“潮流”“艺术家”“展览”三大主题为框架，通过深度参与国际艺术对话的视角，剖析了中国当代艺术在本土语境与全球视野下的实验性探索。巫鸿以亲历者身份，记录了从“星星画展”到当代双年展等重大事件，揭示了艺术家如徐冰、蔡国强等人的创作困境与突破，并探讨了装置艺术、行为艺术等前沿形式如何打破传统边界。文集不仅收录了对艺术现象的批判性分析，更通过展览策划手记、艺术家访谈等一手资料，展现了艺术实践背后的社会矛盾与文化焦虑。书中特别强调“实验”作为核心驱动力，既反思了艺术与政治、市场的复杂关系，也预见了未来艺术形态的可能性。全四册内容跨越半个世纪，以学术深度与人文关怀交织，为理解中国当代艺术提供了兼具历史厚度与当代性的权威参考。

“巫鸿美术史文集”计划收录作者1979年至今关于中国古代美术史的八十余篇论文和讲稿，按照年代编排，展现作者的研究轨迹，打破西方研究中国古代美术的传统范式，通过探索新的观念和方法，使这个学科的内涵更为丰富和复杂。《超越大限》为文集的第二卷，收录作者1988年至1994年关于中国古代美术史的15篇论文和讲稿，涉及城市、礼器、墓葬、宗教、地域美术等诸多方面，力求突破既有的研究范畴，在方法和理论上寻求创新，其目的不在于再造一种与西方传统历史写作形式相类似的单线的历史，而在于多角度地展现中国艺术的丰富、复杂与变化。在对马王堆汉墓的解读中，“原境”已不仅意味着一种物质性的结构关系，还包括丧葬礼仪以及观念的语境，而“礼仪中的美术”（artinritualcontext）这个概念也从中产生；《何为变相？》这篇长文则将上述概念结合起来，将研究对象扩展到敦煌。《五岳的冲突》观照由自然地理到文化景观的概念转换与实践。这类文章的重要性并不在于其具体的解释，而在于体现出作者对于进一步拓展中国美术史研究视野的努力。

从构图、视觉焦点、造型、用笔、着色、肢体动作、视线网络、衣饰……等艺术表现中基础又关键的因素出发，以12组、数百件古今艺术作品为例，巫鸿先生详尽阐释、示范视觉分析的含义和运作，说明“漫游、偶遇、感知”是一种思考和谈论艺术的方式，是一种在不同艺术传统之间发现交汇的场合和机遇的有效方法。阅读本书不要求艺术史专业知识——任何对图像有兴趣，愿意使用眼睛的人都是它期待的读者。这当然包括专攻艺术史和其他人文学科的学者和学生，但对他们来说本书还有另一层含义，在方法论层次上思考通向“全球艺术史”的路径。

从凡尔赛到紫禁城，穿衣镜是否为东西方联合创造的结果？从怡红院到养心殿，镜屏如何引发中国人关于真与幻的文学和艺术想象？从欧洲到全球，穿衣镜摄影模式怎样在世界范围内流行起来？从程式到主体，摄影师和艺术家如何以镜子表现个人身份和主观意识？有座架、可移动的落地玻璃镜被发明，并通过跨国贸易在世界上流通，物品、绘画和摄影由此在全球历史进程里串联起来。帝王、艺术家、作家和民众在与镜像相关的视觉联想和艺术创造中，构建出繁复无尽的时空幻象，既参与着曾经发生和正在发生的事件，又总是映射着超乎现实生活的信息。

全书从“全球美术史”的视点，分四部分对中国古代美术的重要特点进行反思，并结合考古发现和对传世艺术品的解读，阐述传统中国美术对整体的人类美术史做出了什么最独特的也是最有价值的贡献，确定中国美术中具有的既是鲜明文化特性，同时又是源远流长、深具影响一些基本线索。作者学术功底深厚，视野开阔、思维敏捷、语言流畅，在阐释上多有独到且新鲜的见解。全书篇幅不长，但非常有助于读者打开眼界，认识中国艺术史乃至全球艺术史研究中的新观念、新视角及新课题。

《传统革新》文集的第一卷，收录作者1979年至1987年关于中国古代美术史的12篇论文和讲稿。由于有在故宫业务部工作的经历，他早年的几篇文章涉及玉器、青铜器、度量衡器等研究，显示出对古代器物强烈的兴趣。对河北平山战国中山王墓出土器物的形式分析虽然还比较简单，但已由博物馆藏品研究发展到对于考古材料的关注。《早期中国艺术中的佛教因素（2—3世纪）》一文，对有关母题进行了定性定量的细密分析，成为后来学者们研究这个课题必读的一篇文章；他对于四川汉代石棺空间结构与题材关系的分析，可以看作《武梁祠》的预演；《汉代艺术中的“白猿传”画像》表现出他对文学与图像关系的兴趣。在对马王堆汉墓的解读中，“原境”已不仅意味着一种物质性的结构关系，还包括丧葬礼仪以及观念的语境，而“礼仪中的美术”（artinritualcontext）这个概念也从中产生了。《超越大限》文集的第二卷，收录作者1988年至1994年关于中国古代美术史的15篇论文和讲稿，涉及城市、礼器、墓葬、宗教、地域美术等诸多方面，力求突破既有的研究范畴，在方法和理论上寻求创新，其目的不在于再造一种与西方传统历史写作形式相类似的单线的历史，而在于多角度地展现中国艺术的丰富、复杂与变化。在对马王堆汉墓的解读中，“原境”已不仅意味着一种物质性的结构关系，还包括丧葬礼仪以及观念的语境，而“礼仪中的美术”（artinritualcontext）这个概念也从中产生；《何为变相？》这篇长文则将上述概念结合起来，将研究对象扩展到敦煌。《五岳的冲突》观照由自然地理到文化景观的概念转换与实践。这类文章的重要性并不在于其具体的解释，而在于体现出作者对于进一步拓展中国美术史研究视野的努力。《陈规再造》文集的第三卷，收录作者1995年至1998年关于中国古代美术史的15篇论文和讲稿。这一阶段的研究仍聚焦于墓葬、佛教、肖像艺术等主题，持续探讨图像内容与空间、媒材的关系。其中《清帝的假面舞会》《屏风入画》《陈规再造》等一系列论文，围绕清宫旧藏文物和中国古代艺术审美传统展开，选择了雍正乾隆变装画像、十二美人图、屏风文化等精巧的切入点，兼具学术性与可读性，引人入胜的同时，进一步发展阐释了“图像”与“原境”互动的美术史观，是为后来《重屏》等专著的雏形与先声。

《废墟的故事》以独特的学术视角，探讨了中国美术与视觉文化中“废墟”这一意象的深层内涵。全书从木结构建筑与西方石造建筑的差异切入，揭示了中国传统艺术中“废墟”观念的特殊性：中国画家极少直接描绘残破建筑，而是通过寒烟衰草、古木丰碑等意象，以含蓄隐晦的方式传递时间的流逝与历史的沧桑。书中分析了从古代山水画、碑拓艺术到现代摄影、装置艺术的视觉材料，展现了传统审美在西方文化冲击下的转型。抗日战争后，面对满目疮痍的废墟，作者提出“废墟何去何从”的深刻命题，探讨其从历史伤痕到国家遗产的转化过程。全书以全球视野串联起敦煌壁画、明清园林、战地摄影、都市废墟等案例，既剖析了“在场”的物质遗存，也追寻了“缺席”的文化记忆，最终指向对现代中国视觉身份的重构。

轰轰烈烈的社会革命，不再追求！策展人和艺术家以边缘身份，努力营造社会基础，保障中国当代艺术的常规展出。从故宫博物院到当代私人美术馆，从1989年“中国现代艺术大展”到2019年“星星1979”，《展览》一卷，呈现私密把玩的雅好如何蜕变为现代性的公共空间陈设。逾界，蜕变！艺术品、艺术家、策展人和观众之间的界限不断被打破，展览的社会意义不断被拓展。我们作为独立个人的愿望、决心和使命感得以不断生长。